精读季报丨谢治宇的基金，为什么只适合“买”，不适合“抄”？

利山涧和椿树沟是利山涧里一个地方吗?

利山涧是山东省临沂市费县费城镇南坡村的一个自然村,在温凉河的东岸。据1982年出版的利山涧里《费县地名志》记载:“利山涧,位于费城西南5公里,属南坡大队,131人,11。

利山间介绍?利山涧里

利山间介绍: 利山涧景区位于山东费县,以南坡村为核心、以温凉河为轴心,利山涧里规划辐射南坡村等附近几个村,总规划面积3000亩,计划总投资为5亿元,一期投资为1亿元。

临沂利山涧景区?利山涧里JVID

利山涧旅游度假区位于世界长寿之乡——山东费县,总规划面积3000亩,计划总投资10亿元,一期投入2亿元,拥有千年古村利山涧;温河谷休闲带;利山涧乡野乐园。集。利山涧里处破疼哭视频在线观看

利临利山涧介绍?利山涧里

利山涧古村,三面环山,一面临水,进村只有一条石块铺成的石桥相通。石桥宽二米左右,利山涧里可供来往行人相错而过,石桥高度不足一米,中间桥下几块大石头支撑,河水石。

利山涧旅游区门票?利山涧里

利山涧三面环山,一面靠河,山涧的出口被一条河流温凉河阻隔,北边的山在河岸边向南延伸,把本来不大的利山涧出口,堵住了大半。无论从什么方位,利山涧里只要不是俯。

费县利山涧风景旅游区还收门票吗?利山涧里

费县利山涧风景旅游区需要购买门票的。 门票信息:成人票53.5元/人 利山涧古村落还设有费城乡村记忆馆、利山涧里费城红色记忆馆,利山涧里多伦多电影节取消放映《斯巴达》使游客通过这两个记忆馆,更加深刻了解。

费县利山涧门票多少钱?利山涧里

100元/人。 利山涧景区位于山东费县,利山涧里以南坡村为核心、以温凉河为轴心,规划辐射南坡村等附近几个村,总规划面积3000亩,计划总投资为5亿元,一期投资为1亿元。。夜夜撸2016最新版

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利山涧旅游度假区怎么样?

利山涧旅游度假区 景区分为千年古村落和乡野乐园两部分,包含亲子厨房、作坊小院、自助烧烤、夜宴下载农夫集市、乡村戏台等标志性景点,是由山东利山涧文化旅游发展有限。

利山涧有什么游乐项目?

利山涧有九大主题目分别是:千年古村落,乡野乐园,动物表演,网红沙滩车,魔术杂技,水上乐园,特色小吃街,景区美食,房车小院。

利山涧是山东省临沂市费县费城镇南坡村的一个自然村，在温凉河的东岸。据1982年出版的《费县地名志》记载：“利山涧，位于费城西南5公里，属南坡大队，131人，112亩土地。建于元代大德年间，因位于利尖坨北侧的山湾里，故名利山涧”。

《魔力歌先生》谁让你快乐

　　潘卡

　　一档音乐综艺收官一个多月了，站内外“呼唤第二季”的声量不降反升。线下巡演广州场、沈阳场预售几分钟全部售罄，社交平台上到处是抢不到票的哀嚎。

　　这档让观众追着买票、追着催更的节目，叫《魔力歌先生》（以下简称“魔力歌”）。

　　如果你在2026年春天打开过它，大概还记得这个“震荡眼球”的画面——台上三个东北大汉摇头晃脑地唱着“扛扛扛扛扛过枪，放放放过羊”，台下的“评委”们非但没有皱眉，反而集体蹦迪，大张伟甚至跑到舞台下面跟着扭。弹幕飘过最多的两个字是：“上头”。在一众拼高音、拼编曲、拼小众品位的音综里，为什么是这档把“洗脑神曲”打在公屏上的音综破了圈？

　　总导演贺世攀说过一句话，或许就是答案——“音乐的本质是情绪表达和快乐传递，不应该只有专业的圈层能欣赏”。听起来朴素，但在整个行业都在教观众“什么是好音乐”的时候，它选择了问观众“什么让你快乐”，这种态度本身就是一种突破。

　　从“谁唱得好”到“谁让我快乐”音综评价体系的一次松绑

　　过去十年，音乐综艺在中国经历了从大众狂欢到圈层割据的完整周期。《歌手》把竞技推到了极致，《乐队的夏天》让独立音乐破圈，《中国新说唱》炒热了说唱文化。这些节目无一例外地在做同一件事：教育观众什么是“好音乐”。在这个过程中，一套隐性的审美等级秩序逐渐成型——能飙高音是高级的，能唱冷门是高级的，懂得花式改编的是高级的……

　　但“魔力歌”选择了一条相反的路。

　　它不问你唱得多高、转了多少个音，而是问：你唱完以后，我是不是想跟着动？“着魔团”的拍灯逻辑，与其说是评判，不如说是“身体投票”。大张伟会因为一首歌让他想喝啤酒配鸭脖而拍灯，龚琳娜会因为心跳加速而尖叫，吉克隽逸会因为看得太投入而忘记拍灯——这种“不专业”恰恰是节目刻意为之的设计。

　　节目监制赵婧这样理解这件事：“音乐本身就是大众与生俱来的情绪表达载体，曲高和寡的小众品类只是其中的一部分。”换句话说，节目不是在审美降级，而是让音乐从需要鉴赏的艺术品重新回归到普通人的生活乐趣。

　　这种回归带来的效果立竿见影。节目播出后，社交媒体上最常出现的一类评论是：“这节目治好了我的听歌羞耻。”所谓“听歌羞耻”，指的是很多人手机里有两份歌单——一份用来展示品位，一份偷偷自己听。“魔力歌”做的事情，就是把后一份歌单放到了聚光灯下，然后告诉所有人：喜欢这些歌，不丢人。

　　这种“不丢人”不只是节目给的一句安慰，它背后确实有生理层面的依据。从神经科学的角度看，这类结构简单明快、副歌高频重复的歌曲，能精准地击中大脑的“愉悦中枢”。大张伟在节目里说过一句大实话：“让你禁不住地喜欢。”这就是“魔力歌”的运作原理——它绕过了你的审美判断系统，直接跟你的身体对话。

　　那些被算法选中的人终于等来了属于他们的追光灯

　　如果你仔细看“魔力歌”的选手名单，会发现一个非常有意思的现象：这里面很多人，你已经“听”过他们很久了，但从来没有“见”过他们。

　　付豪就是典型的例子。他的《他真的对你好吗》是短视频平台的超级BGM，被无数情感类内容反复使用，但你走在街上，没人能认出他就是那个声音的主人。“魔力歌”之前，付豪最大的骄傲不是数据，而是线下开演唱会时，“有这么多朋友愿意来听我唱歌”。

　　金润吉的故事更耐人寻味。他曾经是阿里郎组合的主唱，拿过《中国好声音》庾澄庆组的冠军，在华语乐坛的唱片时代和短视频时代都留下过自己的印记。这样的资历坐镇“着魔团”都够了。但他选择以选手身份参赛，理由很简单：他需要拿出更多原创作品，让观众重新认识自己。

　　还有邓典，2018年在《明日之子2》被华晨宇评价“唱功教科书级别但没感情”，七年后再站上舞台，他对音乐的理解也变了：“唱功和情感相辅相成，别过分关注音乐之外的事情。”范泰西，一个尼日利亚人，因为在长沙街头唱《我们不一样》走红。但他承认，一年只有10到20场商演，“目前的收益不能支撑我安心做音乐”。亚森，从新疆草原到上海舞台，从酒吧驻唱到音乐剧演员再到魔力先生，他最享受的是“站在舞台上的每一刻”。

　　这些人的共同点是什么？他们都有实力，都有作品，都有被算法验证过的受众基础，但在传统的音乐综艺体系里，他们处于一个尴尬的中间地带——不够“素人”，也不够“明星”；不够“高级”，也不够“另类”。他们是短视频时代批量生产出来的“熟悉的声音，陌生的面孔”。

　　但他们也都有自己做音乐的坚持。付豪说，他不会为了流量去做特定的音乐，但也“不会抵触市场喜欢听的流行情歌这种标签”。杨润泽说，他要“跟上传播规律，但不让算法操控创作”。范泰西说，“网红歌手并不影响你成为一个实力唱将”。这些表述背后，是一群在流量与生存之间认真寻找平衡点的人。

　　“魔力歌”做了一件看似简单、实际上需要巨大勇气的事：给他们一个专业的、全开麦的、能面对真实观众的舞台，让他们不只是“被看见”，更有机会证明“网红”和“实力派”可以是一个人的两面。歌手满江曾讲过一个细节：导演组对魔力先生的甄选长达一年，在全国进行招募，每一首歌的聆听、每一次试音、每一轮录像，导演组核心成员全部到场。这种认真，在追求“快进快出”的综艺行业，本身就是一种奢侈。

　　魔丸打架，名场面在这档节目里成了“日用品”

　　如果用一个词来形容“魔力歌”的舞台观感，最贴切的可能是——“野生”。

　　这不是一个精致到每一帧都像MV的节目。恰恰相反，它刻意保留了大量的“不完美”：选手会在备采间里耿直地说“你说，老妹”；换衣服的时候服装老师会笑到倒地；纪海星会在台上讲自己差点掉进粪坑的故事；哈哈曹能把韩磊的《等待》唱成脱口秀，间奏还来一段“感谢致辞”。

　　但这些“不完美”恰恰构成了节目最珍贵的质感——活人感。

　　我们再来看看几个名场面是怎么诞生的。曾一鸣，2013年《中国最强音》的冠军，曾经让罗大佑和章子怡为他吵架、让陈奕迅再也不当音乐综艺评委的“孤狼”，在“魔力歌”里跳舞了，网友评论“年纪大了慈眉善目，队友想怎么练唱跳都配合”；邓典在李维嘉要求下，咬牙切齿地完成了一个鬼畜级别的表情；平安，那个唱《我爱你中国》的歌手，在节目里摇起了花手；白凯南一本正经地唱《大貔貅》，把张宇吓得夹着本子遁走……这些人有故事、有表达能力、不怕出糗。把他们放在一起，不设置太多条条框框，名场面就自己长出来。

　　被顺其自然的记录下来的，还有这些歌手之间的兄弟情。满江在讲述初舞台录制的场景时说，70多组魔力先生在三天三夜里一组一组上台，他在台下“疯狂地听到了所有歌，看到了来自全国各地的、几乎都不认识、叫不上名字的人”。三天三夜之后，他的嗓子不是唱劈的，而是“为这些伙伴鼓掌呐喊”喊劈的。比赛的后台，他们还相互指导、跨组帮忙，哈哈曹被赵骏手把手教拿麦的姿势，曾一鸣帮其他组抠细节。到了总决赛，被淘汰的选手都回来了，台上台下一起流泪。庆功宴上，所有人又哭又笑。

　　这大概就是节目最核心的“魔力”——它让一群本可能互相视为竞争对手的人，跨组互助、倾囊相授、赛前互相鼓励、赛后约定“常联系”，变成了一个彼此托举的共同体。

　　一档音综从“节目”变成了“事件”

　　“魔力歌”第一季在5月中旬收官。但节目真正的续篇，不是在腾讯视频的播放列表里，而是在线下演出的抢票页面上。

　　第一季收官后，“魔力歌”开启线下巡演，广州、沈阳两场演出票，几分钟内全部售罄。对于一个第一季刚刚结束的全新音乐综艺品牌来说，这个成绩足以让整个行业重新审视“音综变现”这件事。更值得关注的是，这种全民参与感不只体现在买票上。贺世攀提到，观众会“自发组建‘魔力歌’追更群，编排魔力舞蹈，为节目推人推歌”。节目收官后，站内外的“呼唤第二季”声量没有消退，反而愈演愈烈。

　　这说明了一个很重要的事实：当一档音乐综艺真正触达了大众的情绪需求，观众就不再是被动的接收者，而是主动的共建者。他们不是在“追”一档节目，而是在“参与”一个文化事件。这种“自传播”的背后，是节目精准地切中了当下社会的某种集体情绪——在压力越来越大的日常里，人们需要一种没有门槛的、不被审视的、可以全家一起参与的快乐。

　　其实我们一直都知道，在这个被算法、流量、KPI精密计算的时代，一群人愿意为了“让大家开心”这件事认认真真地疯一把——这本身就足够有魔力，也足够动人。

这部“小而美”的音乐剧何以长红

　　记者 柳青

　　伦敦西区原版音乐剧《过去五年》在上海首演前夜的分享会上，男主角乔西·伯内特认出了观众席里的一名剧粉，原本坐在舞台上的他当即惊喜地跳起来：“嗨，我们三个月前在伦敦见过的！”“原汁原味伦敦西区卡司空降上海”，这不是一句夸大其词的宣传语，昨晚，《过去五年》在上海大剧院中剧场开启中国首演，上海观众看到的版本，正是不久前在伦敦西区加里克剧院演出的原班人马带来的。

　　伴随着中国上海国际艺术节时隔三年后“重装归来”，国内观众将在家门口看到更多这样的全球好戏。值得一提的是，这部作品中国首演的背后，有一段“从线上到线下”的特殊情缘：2021年，西区版《过去五年》在上海大剧院的线上演出季中亮相，两轮播放量累计超过258万人次。经过两年的等待，这部“云端见”的作品得以和上海观众“面对面”。

　　《过去五年》在2001年首演于芝加哥，从芝加哥到纽约外百老汇，从伦敦外西区到西区，屡经复排和巡演，是被排演次数最多的双人音乐剧作品之一，并且在2015年被改编成同名电影。这部看起来很“小”的音乐剧，为何能成为长红的剧目，并且被公认为本世纪最有影响力的音乐剧之一？

　　回到芝加哥的首演版，《过去五年》的舞台形式是极简也是极大胆的。在空旷的舞台上，男女主演轮流登场独唱，这是一对分道扬镳的爱人，男人是冉冉升起的文学新星，女人是被困在职业瓶颈中的女演员。女主角唱倒叙的故事线，在婚姻破碎时回望过去五年；男主角从很久以前两情相悦时演起，在顺流而下的时间里，有情人终成怨偶。男女主角动如参商，一人一曲，在舞台上从不相遇，没有交流的机会，他们唯一的同时在场是两条时间线交汇在结婚的场景。这部作品在出现的一刹那就在繁花似锦的音乐剧世界里成为一道清流，它用洗尽铅华的方式，把舞台留给音乐和演唱——不需要复杂的人物关系和情节，不需要繁冗的舞台装置，仅仅依靠两个演员，就唱尽了青年艺术家们面对情爱、婚姻、自我和亲密关系的层叠困境。这种“平行双线的独角戏”对导演和演员构成巨大的挑战，但也成就了这部作品的特点。

　　《过去五年》的底气来自词曲，敢用这样的方式写，可见作曲家艺高人胆大。《过去五年》的作曲杰森·罗伯特·布朗是三座托尼奖得主。他在28岁时给音乐剧大师桑德海姆救场，临时加入《游行》剧组，挑起这部乐器多、声部多、演员多的超级大制作，并且因此拿下了人生中第一座托尼奖最佳作曲奖，被誉为“百老汇继桑德海姆之后最细腻的作曲家”。《游行》大获成功后，布朗深感严密运转的产业系统下的大制作让他精疲力尽，决心写一部完全私人化、作者化的“小而美”作品，他只想写两个演员不需要戏剧化的动作，直抒胸臆地演唱，于是他把自己当时正在经历的感情破碎、对名望的渴望和迷茫、追名逐利时伤害了身边至亲……种种生命经验的碎片融入音乐中。

　　《过去五年》的音乐融合多种风格，男女主角演唱的16首歌曲包含流行、爵士、蓝调、民谣、古典等多种元素，展现出作曲家驾驭不同音乐风格的能力。青年男女在亲密关系中渐行渐远的日常悲剧总是大同小异，但布朗用风格鲜明的音乐让这些似曾相识的情爱悲剧具有了全新的辨识度，他用音乐确立了男女主角的个性，也用音乐捕捉到青年艺术家敏锐的感知，以及他们作为普通人所无法幸免的人性弱点。剧中，女主角凯西面对爱人不告而别后演唱的《Still Hurting》，男主角杰米在文学界初露峥嵘时唱出轻快动感的《Moving Too Fast》，大悲大喜的旋律在对照之间产生了让人心碎的戏剧张力。

　　自首演成功后，《过去五年》的芝加哥版、纽约外百老汇版和伦敦外西区版维持着最初的特色，即男女演员轮流出场，在台上只要演唱，音乐就完全交给乐队。而在伦敦西区版复排时，导演乔纳森·奥博伊莱在舞台呈现方面做出了非常大的改变，他在台上放了一架钢琴，男女主角不再离场，而是当一方演唱时，另一方钢琴伴奏，但同时在场的两人仍然不发生任何交流，钢琴成了台上的第三个角色，沉默地见证了这对年轻艺术家夫妻之间的爱与别离。从前的版本里，总是孤独地伫立于台上的男女主演传递了苦涩的意象，似乎亲密关系的本质是从头到尾的独角戏。上海观众这次看到的西区版，男女演员之间互为钢琴伴奏的场面让舞台更满、更丰富，两人一琴的画面也流露了更多的落寞：音乐把他们捆绑在一起，但他们互相之间成了在场的缺席者。